Klassikalise filmi uusversioon on nagu lapse lapsendamine. Te peaksite seda tegema ainult siis, kui vajate väga sularaha ja isegi siis on see tragöödia. Loodame, et siinne sarkasm on enesestmõistetav, nagu ka moodsate stuudiote ahnus, kui tuleb ohverdada meie kinemaatilised mälestused kõigeväelisema dollari kasuks.
Kas sülitaksite Van Goghi peale? Kas muuta Faulknerit? Taltsutas Tšaikovskit? Kui teie vastus on midagi muud kui kõlav "EI", siis paluge andestust. Pidage meeles: Yoda nahatooni kõige peenemate muudatuste tegemine ümberõppinud Tähesõdade kollektsioonis muutis George Lucase paatikaks, nii et laske sellest hoiatuseks Hollywoodile: jääte oma loovuse tõttu kultuurile ja poliitikale oluliseks ja oluliseks. Jätkake selle ressursi kaevandamist ja pidage vastu kiusatusele pühakoda uuesti taastada. Teie huvides on jätta filmiajaloo tõelised kalliskivid Criterion Collectioni, Smithsoniani ja USA riikliku filmiregistri hooleks
Me hõlmasime juba 10 filmi, mida Hollywood teeb paratamatult uusversiooniks, kuid siin on meie nimekiri 10 filmist, mida Hollywood ei tohiks kunagi uuesti teha:
Tuulega läinud (1936)
Margaret Mitchelli 1936. aasta romaani kohandamine nõudis sellist pühendumust ja suurejoonelisust, mida Hollywood polnud kunagi varem kogenud. Mitmel moel sai filmieepose kullastandardiks Victor Flemingi film „ Gone With the Wind “. 1939. aasta film jätab 1939. aasta filmist mulje, mida on raske raputada, jätmata ühtki kivi vaatamata oma lõunapoolsele antebellumile ja selle esimesele poolele ning Ameerika sissetungide täielikule hävitamisele ja rekonstrueerimiskatsetele.
Vivien Leigh, Clark Gable ja Hattie McDaniel esitasid oma aja meeldejäävaimad etendused, täites ekraani elavhõbedase emotsiooni, vana aja mehelikkuse ja iroonilise huumori teravate kontrastidega. Koos Max Steineri mänguväljakuga tulistas Gone With the Wind kõigil silindritel. Kas seda saaks täna ümber teha? Ainult nimel.
8 Casablanca (1942)
Kolm aastat pärast filmi "Gone With the Wind" edu saavutas Hollywoodi stuudiosüsteem oma filmide merkantiilse väljundi. Neil oli valem, mis töötas. Kui Casablanca jõudis haugi alla produtseerimata näidendi Everybody Comic to Ricki kohanemiseni, pandi see tootmise kiirele rajale, et tabada II maailmasõja zeitgeist liitlaste sissetungi ajal Põhja-Aafrikas.
Filmi ilmumine osutus suurepäraselt ajastatud ning kuigi Casablanca nautis piletikassast suurt tagasitulekut ja ajakirjanduse positiivset reageeringut, haaras see ka pärast oma esimest debüüti avalikkuse teadvusse. Tänu transtsendentaalsele skriptile, mis pakub meeldejäävaid jooni igale filmi stseenile, jääb režissöör Michael Curtizi sõjaaegne draama üheks selgelt eristuvamaks romantiliseks filmiks, mis eales loodud. Humphrey Bogart ja Ingrid Bergman kõrvetavad ekraani. Kujutised, muusika ja toon on peaaegu unenäolised ja iga kord, kui lõpetate Casablanca vaatamise, soovite seda uuesti mängida.
7 Kodanik Kane (1941)
Orson Welles oli kõigest 26-aastane, kui ta Citizen Kane'i lavastas, valades filmi küpsuse ja gravitatsiooni, mida vähesed režissöörid on sellest ajast peale kohanud. Teatri tulihingeline mees veetis Welles 20-ndate aastate alguse lavale pühendatud vaatamata Hollywoodi rahalistele edusammudele. Kui tema püüdlused temalt raha vajavad, põgenes ta Los Angelesse ja sõlmis pärast RKO stuudiotes tehtud ringkäiku selle juhtidega kahe pildi tehingu.
Kindlasti omas Welles Clooney kaubamärgi sotsiaalseid armu, kuna esmakordne filmirežissöör lahkus kopsaka eelarve, ohjeldamatu stsenaristiautonoomia ning režissöörivõimu kuldstandardi abil - õiguse montaažiruumis lõplikult lõigata. Sisuliselt usaldasid RKO säravad mõtted seda 20. sajandi keskpaiga kunstnikku kuningriigi võtmetega.
Sageli stuudios trikke mängides ja ööpäevaringselt töötades tegi ta filmi täpselt nii, nagu ta seda ette kujutas. Citizen Kane ei ole mitte ainult püsiv vintage-ikoon, vaid ka tõend, et suurepärased režissöörid väärivad täielikku loomingulist kontrolli. Kui iga kümne katkestatud suuruskatse järel saavad publikud ühe Kodaniku Kane'i, siis hasartmäng "Diktaatorirežissöör" võidab pikas perspektiivis stuudiobürokraatiat.
See on imeline elu (1946)
Ehkki seda mäletatakse sageli kui jõulufilmi, on Frank Capra liigutav 1946. aasta film südantlõhestav draama jõuluvanaga kaetud draamas. George Bailey (James Stewart) kogetud enesetappumõtted pole naeruväärsed. Võib-olla just seetõttu tuletavad filmi parimad hetked meelde, et elame tõepoolest imelist elu.
See on selline film, mis paneb sind tahtma oma peret kallistada ja minuti jooksul asju aeglustada. Põlastusväärne kaabakas, hr Potter (Lionel Barrymore), paneb teie naha oma isekas julmuses roomama, pakkudes peaaegu üleskutse tegutseda sotsiaalse ahnuse kalduvuse vastu.
See on imeline elu, millel on oma õudushetked, eriti kui George Bailey näeb, milline oleks elu ilma temata. Capra lavastab need jaod õudusunenäolise kvaliteediga, mis kummitab sama hõlpsalt kui lepitusstseenid. Jimmy Stewartile ei saa selle lavastuse eest piisavalt komplimente anda ja ainuüksi sel põhjusel peaks film jääma täiesti puutumatuks.
6 lahedat kätt Luke (1967)
"Mis meil siin on, on suhtlemata jätmine!" Nii räägib Sadomasokistlik kapten (kangem Martin) ajakirjas Cool Hand Luke, illustreerides täpselt erinevust tema ilki nõrkade meeste ja selliste põlgmatu vaimu vahel nagu Lucas “Luke” Jackson (Paul Newman). Donn Pearce ja Frank R. Pierson kirjutasid õhukindla stsenaariumi, mis pakkus hr Newmanile tema turneejõudude esinemist hõbedaseal.
Lahedat kätt Luke'i ei saa kunagi korrata, sest filmi määratleb selle peaosatäitja. See margitoote ülbus ja sügav istuv depressioon muutis sinisilmse Newmani paradoksiks. Ta tõmbas selle dramaatilise kokteili maha vaid kuus aastat varem The Hustleris ja täiustas oma käsitööd selle aja jooksul. Newman mängib filmis kisklevat Korea sõja-loomaarstit, kes haaratakse keti jõugu peale purjuspäi parkimismõõtjate näitamiseks.
Asjad näevad Luke jaoks sünged, kuid kui ta karistust kannab, avastab ta uuesti oma visaduse ja saab läbi mitme vanglakaristuse kohtuprotsessi vanglas austatud meheks. Pole üllatav, et Cool Hand Luke'ist sai üks ajaloo austatumaid filme.
5 Ristiisa (1972)
Kes Francis Ford Coppola klassikat ümber kujundab, saab kindlasti antikristuseks. Kõik katsed Corleone'i eepost ümber kujundada oleks elus solvang kinole, Brandole, Pacinole, de Nerole, Duvallile, Cazale'ile ja lugematutele teistele kunstnikele, kes võtsid Mario Puzo raamatu ja muutsid selle puhta luule tükiks.
Kuidas saab kirjeldada 1972. aasta klassika suurejoonelisust? Pime bard ei pidanud Troy Helenit eriti kirjeldama. Ta oli just nii täiuslik. Ristiisal on sellele pühendatud kirjanduse reams ja vaatamata filmimaailma gangsteri-eepose alavääristavale lahkamisele ei lakka vestlused kunagi.
Austuse, au ja perekonna teemad jooksevad sügavalt Coppola triloogiasse ja kuigi paljudel Corleones on veri kätel, püüdlesid nad oma kirge ja elujõudu vaatajaskonna poole. Lavastuse väärtused on transtsendentsed ja kontrastid selliste tegelaste vahel nagu Michael ja Sonny Corleone loovad tõeliselt hiilgava filmi.
4 Lõpetaja (1967)
"Proua. Robinson, sa üritad mind võrgutada. Kas pole? ” Mike Nichols täidab oma teise filmi piisavalt falliliste viidete ja kujunditega, et R-reitingut õigustada, kuid tema lavastajalik kavalus ja klass tõstsid välja lapsevanematele mõeldud PG. Lõpetaja sai Nicholsi ja Dustin Hoffmani karjääri alustalaks. Sellega kaasnes seksuaalse rahutuse ja identiteedikriiside, mis hõlmasid ajastut.
Muidugi osutus Benjamin Braddocki (Hoffman) magamine silmapaistvalt võrgutava proua Robinsoniga (Anne Bancroft) läbi aegade vastuoluliseks, kuid see andis publikule ühe filmiks seatud kõige humoorikama, kaasahaaravama vanuseastmega loo. Nicholsi 1960. aastatel toimunud tuumarelvade perekonna lõhustumine palju vähem kui aatomipommil oli Nicholsi vildakas jabu kultuuris (“plast”) arenenud, laitmatu ja jäljendamatu.
3 Rannaalal (1954)
Waterfrontil rajati käputäis 1949. aastal ilmunud artikleid, mis paljastasid New Jersey pikamaameeste jõhkruse ja läbilöömise, muutes filmi üheks võimaluseks elus. Pakkudes filmi jaoks lõplikku lähtematerjali, andis ajakirjanik Malcolm Johnson režissöörile Elia Kazanile toormaterjali ja realismi, mida ta alati püüdis leida.
Kasaan oli kurikuulus, kui ta provotseeris oma kaklusi ja põhjustas ebakindlust, süütes kaitsme selle jaoks, mida ta lootis, kui kaamerad veerema hakkavad. Terry Malloy (Marlon Brando ühes oma kõige kestvamatest rollidest) esindab ameerika sinikraede töötajat, kes oli hiilguses tulistanud ja mööda lasknud, keda ta kahetsusväärse mobiboss Johnny Friendly'i (Lee J. Cobb, ülim ekraaniekraanil) tõttu lagunes. ähvardamine).
Lõppkokkuvõttes säras film tähelepanu keskpunktis Hobokeni dokkide varjatud korruptsioonile ja andis filmitegijatele viilu elust, mida ei saa kunagi korrata.
2 Araabia Lawrence (1962)
Peter O'Toole on raskekaaluline filmikunstnik ja kuigi ta mingil moel väljus akadeemia soosimisest ega suutnud võita Araabia Lawrence'i parima näitleja võitu, määratles tema TE Lawrence'i kujutamine Hollywoodi kangelase. Inglise teadlase sõnavõtuga õhuke ja haritud O'Toole muudab Lawrence'i Araabia liivade hiilgavaks kauboiks.
David Leani 1962. aasta eepos kirjeldab oma samanimelist iseloomu Briti kangelasena, kes aitas veelgi edendada Union Jacki edu Araabia poolsaarel esimese maailmasõja ajal. Tavaline John Wayne polnud ta aga ning just seal leidis O'Toole ruumi oma esmaklassilistele näitlejatöödele. Filmis (hiilgavalt filmiti filmikunstnik Freddie Youngi poolt) näidatakse TE Lawrence'i kui kompleksi täis sõdalast, kes on vastuolus tema vägivaldsete ja rahumeelsete vabastustega. Ta kannab PTSD-ga süüdi oma beduiini röövitud varrukatel, kuid klassikalises inglise stiilis ei takista tema enda mured teda oma kohust täitmast.
O'Toole Lawrence võitleb oma kohustustega, kuid neid ei neela kunagi alla. Araabia Lawrence'i, mis on toodetud pärast filmi "Gone With the Wind" ilmumist, võib õigustatult pidada Victor Flemingi eepose jätkuks, näidates Hollywoodile kinemaatilise jutuvestmise piiritu potentsiaali.
1 A Clockwork Orange (1971)
Kubricku filmi uusversioon võtaks uskumatu chutzpahi. Kuidas oleks võimalik pääseda kuulsa režissööri vaevalt erilisele lähenemisele filmitegemisele? Võib-olla kõige puutumatum sissekanne tema loomingus on „Clockwork Orange” - tõeline retk vaimselt ebastabiilsetest radadest, mis hõlmab ühte kõige sadistlikumat stseeni, mis kunagi on seatud süütule „Singin’ in the Rain ”. Vaene Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) juhib Suurbritanniaga seotud kokney-noorte jõugu, kes vägistab ja röövib teed läbi üha purunenud ühiskonna. See on häiriv ja šokeeriv film, mis ründab silmi, samal ajal kui viskab soolestikku, meie moraali ja mõistuse mõistmisele. Kui filmis on mõni pilt, mis Kubricku võimeid kõige paremini haarab, on kahtlemata see, et aju tõmbab stseen, kus Alexil on silmad mehaaniliselt avatuna ja jõuga toidetud ründavad pildid.
Aitäh, Stanley.
-
Seal sul see on! Millised klassikalised filmid peaksid teie arvates olema vabastatud Hollywoodi uusversioonist? Andke meile allolevates kommentaarides teada!