Perefilmid on tavaliselt animeeritud variandid, mis tähendab, et kõigil mängufilmidel, mis pole live-action, on stigma, et need on mõeldud eranditult mahlakarbi rahvahulgale. Kuid tegelikult ei saanud see tõest kaugemal olla. Animatsioon on lihtsalt seda tüüpi kunstiliik, mida filmitegijad kasutavad oma lugude jutustamiseks ja iga kord on jutustus midagi, millega saavad ühendust võtta nii lapsed kui ka nende vanemad. Tegelikult juhtub seda sagedamini, kui arvata võiks, ja mitte ainult Pixari puhul.
Oma piletikassatuse tõttu on selge, et animafilmid ei kao peagi. Ja kui Hollywood säilitab oma aastakümnetepikkuse traditsiooni pakkuda selle meediumi kaudu imelisi filme, ei kaeba keegi. Siin on meie kõigi aegade kümne parima animafilmi nimekiri .
Lumivalgeke ja seitse pöialpoissi
Walt Disney Studios algselt animeeritud lavastus Lumivalgeke muutis tööstust mitmel viisil. Omal ajal oli projekt sama tehniliselt revolutsiooniline, kui tänapäeva publikule on mõeldud midagi sellist nagu Gravity. Disney oli filmi tegemiseks täiesti uus viis, muutes muinasjutumaailma erksavärvilisteks ja paistades silma muusikaliste valikutega. Isegi kui aine poleks par jõudnud, oleks Lumivalgeke siiski maiuspala, mida vaadata.
Kuid õnneks tarniti film pärast 1937. aastal välja andmist täieliku paketi. Kui see oli koos meeldejäävate tegelaste koguga, reageerisid vaatajad kindlalt loole noorest printsessist, kes lootis päästa oma kurja võõrasema käest. Kui vajate Lumivalgekese resonantsi tõestust, siis mõelge, et seitse tiiru pöialpoissi kuuluvad endiselt Disney kõige turustatavama loomingu hulka, ehkki neil on veel 79 aastat muid väljalaskeid. Lumivalgeke oli nii ajatu klassika kui ka filmide jaoks aeglane hetk animeeritud jutuvestmiseks.
Õudusunenägu enne jõule
Stop-motion animatsiooni tehnikat revolutsiooniliselt muutnud Tim Burtoni lavastust peeti äärmiselt leidlikuks ja tehniliselt suurepäraseks teoseks, mis viis inimese selle meisterlikkuse poole. Nii lapsed kui ka täiskasvanud oskasid filmi kulutatud aega ja vaeva väärtustada, sest uhked visuaalid ja loomingulised tegelaskujud panid filmi silma. Samuti leidis see viisi, kuidas lõbustada publikut erinevatel tasanditel, segades tükki komöödiat, muusikat ja romantikat, et koostada ümar narratiiv, mis vaimustas vaatajaid ja andis neile midagi sellist, mida nad pole kunagi varem näinud.
Filmi fännid väljendasid entusiasmi ka filmi tegelaste vastu, keda oli ka maiuspala ekraanil vaadata. Jack Skellingtoni-sugused inimesed olid rikkad isikud, kellel oli palju sügavust, ja nende trikitavad tegevused pakkusid publikule väljakutse ja kuidas nad ümbritsevat maailma vaatasid. Selles osas tegi Õudusunenägu enne jõule huvitava filmi, mille tegelaskujude dünaamika andis sellele julge serva, mida perekonnaasjades on harva näha. Lõbus, maagiline ja isegi pisut hirmutav on see film, mis meelitab nii paljusid inimesi, sest teeb palju asju nii hästi.
Lõvikuningas
Disney animatsiooni uue ajastu käivitamine - Lõvikuningas - oli Hiiremaja vajalik tagasitulekuprojekt ja sellest sai kiiresti üks nende kuulsamaid lavastusi. Tehniliselt oli film tohutu saavutus, animaatorid lõid lopsaka, rikka keskkonna, mida oli uhke ja vapustav vaadata. Isegi kui te oleksite üks neist, kes arvas, et lool on mõned puudused ja film ei vastanud massiivsele hüpele, pidite tunnistama, et see oli visuaalne meistriteos, mis tutvustas klassikalise rakuanimatsiooni edenemist.
Kuid kaebusi narratiivi kohta oli vähe ja üsna kaugel. Paljud leidsid, et see on võrreldav kreeka tragöödiaga, kuna emotsionaalselt ajendatud süžee käsitles tõsiseid surma- ja lunastusteemasid, andes tegelastele filmi jooksul üllatavalt kaasakiskuvad kaared. Samal ajal ei vahetanud The Lion King vaatajaid koomilistel hijinkidel, ühendades nii dramaatilise lõnga kui ka huumori, et luua midagi, mis oleks lõbus ja haarav. Plus, muusikalised numbrid olid ühed Disney parimad, sest "Eluringi" ja "Hakuna Matatat" lauldakse tänapäevani.
Lelulugu
Animatsiooni valdkonnas mängu uuesti muutmiseks jätke Disney ülesandeks. Koos Pixari geeniustega levitades Hiiremajas esimest korda täispikka arvutianimafilmi, käivitati see, mida peetakse tänapäevases Hollywoodis esilinastunud animatsioonistuudioks. Projekti taga olnud uuendus oli kindlasti muljetavaldav, käivitades filmitegevuse uue ajastu. Toy Story näitas hõlpsalt uue tehnoloogia eeliseid - meisterdades rikkamat ja tihedamat keskkonda, mis oli täielikult ümbritsev. Ja kuigi "piirangud" ilmnevad nüüd 20 aastat hiljem, hoiab filmi kujundus endiselt silma peal ja seda on endiselt tore vaadata.
Kuid selle loomise tehnikad pole vaevalt ainus põhjus, miks Toy Storyst sai põlvkonda määratlev film. Selle Oscariks nomineeritud stsenaarium lõbustas nii noori kui vanu põneva seiklusega, mis käsitles emotsionaalseid teemasid, millega igaüks võiks suhestuda. See määras malli, millel kõik tulevased Pixari filmid põhinesid, näidates, et nende režissöörid ei tegelenud ainult suurepäraste animafilmide tegemisega; nad tegid üldiselt suurepäraseid filme. Koheselt ikooniliste tegelaste, kargete produktsiooniväärtuste ja südamelähedaste teemalauludega tõstis Toy Story riba, mis animafilm võiks olla.
Raudne hiiglane
Brad Bird on kuulus oma koostööst Pixariga, võites Oscarid nii The Incredibles kui ka Ratatouille. Kuid ta pani endale nime selle WB animafilmi abil noore poisi ja suure roboti kohta, kellega ta sõbruneb. Raudne hiiglane oli klassikalise "poisi ja tema koera" tropi variatsioon, kuid ulme keerutusega. Teatud vanuses vaatajaid paelusid filmivõtte aukartust äratavad tunded, soovides, et nad saaksid oma päevad tugeva südamega AI-ga veeta juba ammu enne Grooti päevi, kui Vin Diesel tõestas, et ta on kohutav häälega näitleja, süstides nimitegelast varjamatu emotsiooniga.
Nagu paljud teised meie nimekirja kanded, tõstab Raudne hiiglane selle võime segada materjali ka täiskasvanutele. Lugu toimib allegooriana poliitikast ja võimudest, tuues välja hirmu suure tundmatu ees ja selle pärast, miks see pole alati nii hirmutav. Need teemad andsid filmile narratiivi keerukuse, mis pani imestama, et seda näevad kõik, kes seda vaatavad. Mõttetoitu hinnatakse filmis alati, kuid eriti perepakkumisena peetavas asjades (kus režissöörid saavad teatud elemente lühendada). Võimalik, et Hogarth peab jääma, kuid kõik tahavad minna koos Raudse Hiiglasega.
Meeleolukas eemal
Kuigi neil pole Pixari sarnase stuudio (kodumaises mõttes) piletikassade rekordit, ei saa eitada, et Studio Ghibli on kriitilisest vaatenurgast tipptasemel. Neil on oma nimele palju hitte, kuid vaieldamatult silmapaistvaim neist on Spirited Away, mis viis 2003. aastal koju parima animafilmi Oscari. Üks žanri kaunilt realiseeritud projektidest pälvis film tänu sellele oma palju tähelepanu lõualuu viskavad visuaalid ja äärmiselt loov kujundus. Projekti ekraanile toomiseks kulunud kunstlikkust oli raske mitte hinnata.
Kriitikud kiitsid kõike alates häälitsusest kuni suunani - kriitikud arvasid, et Spirited Away tegeleb väga relatiivsete teemadega ja seda peaksid nägema kõik lapsed, eriti need, kes on hiljuti uude koju kolinud ja soovivad kohaneda. Mitte iga animafilm ei sukeldu kõigepealt ülbetesse sotsiaalsetesse kommentaaridesse, et edastada sügavaid kontseptsioone, mis kõneleksid kõiki vaatajaid, kuid see tegi ja see tasus end tõesti ära. Oma põneva narratiivi ja meeldejäävate tegelaste vahel pole sellel filmil palju vigu ja see on vaieldamatult kaalukam kui paljud Ameerika stuudiode toodetud animafilmid.
Nemo leidmine
2000. aastat peetakse Pixari õitseaeg, kuna animatsioonivõimeline maja lasi välja ühe originaalse hiti teise järel. Vaieldamatult jõudsid nad Pixari tippu selle looga klounakala-isast, kes alustab teekonda üle ookeani, et päästa oma poeg Nemo vangistusest. Nagu ateljee puhul võis oodata, oli animatsioon tipptasemel, viies vaatajad vee sügavusest kaugemale ja luues fotoreaalse keskkonna, mis pani paistma, nagu oleks tegevus tegelikult ookeanis aset leidnud. Kui midagi muud pole, tuleb imetleda detailsuse taset ja rasket tööd, mis pandi selleks, et kõik näeks välja õigesti.
Nemo leidmine kajastas üht stuudio senist küpsimat lugu, pakkudes väärtuslikku moraali nii lastele kui ka nende vaatamiseks võtnud vanematele, andes mõlemale poolele võimaluse pärast oma filmi lõppu oma suhete üle järele mõelda. Side Nemo ja Marlini vahel oli loo peamine katalüsaator, kuid filmis oli palju muud. Nemo on üks Pixari parimatest tegelastest, kuna armastusväärne tankipeenar ja eriti Dory teenisid meie südames püsiva koha, lisades sellele ootuse järgmise aasta Finding Dory jaoks. Selle ilmumisest on möödunud rohkem kui kümme aastat ja Nemo on endiselt üks suuremaid Pixari teoseid seal.
Kuidas treenida oma draakonit
DreamWorksil on kahetsusväärne saatus, et ta mängib Pixarile teist banaani, kuid see ei tähenda, et nad pole võimelised omaenda hämmingut tootma. Ehkki nende rekord pole nii puhas kui konkurentide oma, võitis DreamWorks 2010. aastal kõik, kes said välja filmi How to Train Your Dragon. Viimse 3D-hulluse koidikul saabunud film kasutas täielikult ära formaadi eelised, näidates lõualuu langevaid õhulahinguid, mis nõudsid end ekraanilt suurimatel ekraanidel. Tänu oma lopsakale ja ilusale animatsioonile oli film uhke vaadata ja esindas seda, mis oli kõigi režissööridele tänapäeval kättesaadavate tööriistade abil võimalik.
See, mis pani vaatajaid ekraanil toimuva pärast tegelikult hoolima, oli aga tervislik kogus ainet, mis visati sisse, et projekt meeldiks igas vanuses filmitegijatele. Liikuv sõprus, mis tekkis Hiccupi ja Toothlessi vahel, rääkis paljudele, kes seda nägid, ja andsid Kuidas treenida oma draakonit tervisliku südamega, et oma põnevust komplimenteerida. Üldiselt oli stsenarist üks tugevamaid külgi, meisterdades intelligentse ja vaimuka narratiivi, mis andis rohkem kui õiglase osa dramaatilisest osalusest ja arusaamast. Selle õppetunnid olid sallivus ja vaenlase mõistmine. Üks vaatamine on kõik, mida vajate, et mõista, miks see DreamWorksi lipulaevade frantsiisiks sai. See on imeline sulatusahi, milles on palju asju, mida me filmides armastame.
Põlastusväärne mina
Minionid kerkisid esile Universalsi animeeritud hiti tähtedena, muutudes iseenesest populaarsemaks kui film, milles nad esimest korda ilmusid (andes teed spinoffile). Kuid väikesed kollased olendid (kuigi jumalikult armsad) pole ainus põhjus, miks Despicable Me sai tänapäevaseks animatsiooniklassikaks. Saabunud vaid paar aastat enne, kui jõudsime maksimaalse superkangelaseni, näitas film ebatõenäolist peategelast Gruis - ülikaalasest, kelle kinnisideeks on maailma vallutamine, kuni punktini, kus ta kasutab oma orjades skeemides käppadena kolme orvuks jäänud tüdrukut. Mõeldes selle idee kontseptsioonile, kasutasid filmitegijad komöödia sõidukina kurja ees ja keskosas seadistamist (muidugi, kui Minionid abistasid seal muidugi).
Kuid see, kus Despicable Me tegelikult paistab, on selle põhiline narratiiv, milles Gru hakkab isalikult arenema nagu surutütarde suhtes. Armastusest tema vastu võidab Gru silmitsi raske valikuga, kui temalt küsitakse, millised eluprioriteedid tähtsustavad. See on huvitava nurga alt "töönarkomaaniline" isaprope ja see annab filmile vajaliku südame, mida ta vajab, et kõik vaatajad sisse tõmmata. See võib isegi anda töötavale lapsevanemale rohkem mõtlemist kui nende järglastele, kuna mõned neist siin esitatud küsimused on äärmuslikud näited perekondade silmitsi seisvatest probleemidest. Läbimõeldud, naljakas ja hästi meisterdatud Despicable Me näitab, et kõigis meist on head.
LEGO film
Paljud pilkasid filmi LEGO mõtet, kui see välja kuulutati, ja siis tellisid need paljud kiiresti oma varesteplaadi pärast seda, kui nad nägid rahvahulga meeleolukat filmi, mille režissöörid Phil Lord ja Chris Miller olid esitanud. Ootusi õõnestades näitas see film, et populaarse mänguasjarea põhjal on võimalik teha meelelahutuslikku, südamlikku näksimist, laenates Pixari valemist, et anda meile midagi põlvkondadeülese veetlusega. Põnevate žanrimängude ja hästi ajastatud popkultuuri viidete vahel oli siin kindlasti piisavalt, et igaüks leiaks midagi, mille külge asuda.
Ja kuigi arvati, et LEGOst saab lõpuks lõbus väike lastefilm, oli see lõpuks palju muud. Mitte ainult huumor oli terav mitmel tasandil, vaid Lord ja Miller viisid LEGO-st sotsiaalse kommentaaritüki, mis suundus kõigepealt teemadesse individuaalsuse ja suurkorporatsioonide korrumpeerumise teemadel - kolmanda näpuga, mis andis sellele mõõtme, mis imbus sisse vanemad ja nende lapsed, kellel on üllatavaid emotsioone. Kuna tegemist on hullumeelsete tegelaskujude, suurte nüansside ja rikkalike narratiividega, leidis WB veel ühe frantsiisi, mille arendamist ei saa me oodata. Kõik on vinge.
Järeldus
Veelgi enam kui tavalise live-action -filmi jaoks on animafilmi lõhenemiseks "õige" viisi leidmine raske töö. Filmitegijad ei pea mitte ainult leidma viisi, kuidas hoida lapsi meelelahutuslikult kogu selle aja jooksul, vaid on ka ülioluline, et nad ühendaksid elemente, mis kõnelevad neid, kes täiskasvanutele teatrisse viivad (laskmata nii kaugele üle laste pea, kaotavad nad huvi). Selle leidmine on keeruline ja see on põhjus, miks on raske leida animafilme, mis ületaksid nende piire ja muutuksid millestki, mida igaüks saaks nautida. Kuid õnneks on neid, kes sellega hakkama saavad.
Nagu alati, pole meie loend mõeldud kõikehõlmavaks, seega jagage kindlasti oma lemmikanimafilmide valikuid allpool olevas kommentaaride jaotises.